ANARKOFOLKA (6) - Smashing Crow, Lengua de Trapo, Guacorejo y Salmorales, Chahut R´uelle, Fanny Fay, Isuo Sasiia eta Elia,...

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ANARKOFOLKA (6. irratsaioan) Smashing Crow, Lengua de Trapo, Guacorejo y Salmorales, Chahut R´uelle, Fanny Fay, Isuo Sasiia eta Elia,... talde-bakarlarien  abesti eta …Karlos Linazasororen Trilogia Hiperlaburra liburuko 13 ipuin motzen irakurketa eta Post-Petroleum Post energiaren inguruko blogak beren gaia berrartzen duela eta bera bisitatzeko gomendioa. 



ANARKOFOLKA (6.a) entzun edo jaitsi!!
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50 PELICULAS PARA DESPERTAR NUESTRA CONCIENCIA POLITICA

50 PELICULAS PARA DESPERTAR NUESTRA CONCIENCIA POLÍTICA:

15 impactantes obras para abrir los ojos

1. El Gran Dictador – Charles Chaplin, Estados Unidos
Osadísimo proyecto artístico-político, al punto que el Presidente Roosevelt contactó a Chaplin para motivarlo por la oposición de la industria cinematográfica a su propuesta. La película logra un balance casi imposible: una sátira cómica de Hitler, al tiempo que una contundente denuncia pública sobre el Holocausto de los judíos, erigiéndose como el primer largometraje anti-Nazi de la historia. Chaplin, quien fuera la leyenda del cine mudo realiza uno de los discursos más memorables de la historia del cine, un manifiesto humanista en su máxima expresión.
2. Dr. Strangelove – Stanley Kubrick, Inglaterra
Obra de reflexión mordaz que vio la luz en el cenit de la paranoia sobre la posibilidad de una guerra nuclear. Kubrick realiza una genial sátira del absurdo de la lógica política de la Guerra Fría, logrando quizás la única película que nos hace reír ante la auténtica posibilidad del fin del mundo. Como si fuera poco, los múltiples roles de Peter Sellers han convertido su actuación en una de las más famosas jamás plasmadas en celuloide.
 3. Z / La Confesión / Desaparecido – Costa-Gavras, Grecia-Francia-Estados Unidos
Costa-Gavras es sin lugar a dudas uno de los más importantes referentes de todos los tiempos del cine político, representando con maestría historias reales de represión sociopolítica. Sus obras mejor logradas incluyen el asesinato del líder demócrata griego Grigoris Lambrakis, el circo de juicio contra el político comunista checoslovaco Artur London, y la desaparición del periodista norteamericano Charles Horman. Propuestas de genuino coraje tomando en cuenta que fueron realizadas durante las dictaduras orquestadas por los mismos personajes a los que hace referencia en sus films.
 4. Tierra en Trance – Glauber Rocha, Brasil
Una síntesis narrativa del circo político latinoamericano condensada en la historia del ficticio pero demasiado real país “El Dorado”. El caos de las luchas partidarias, el ciego fanatismo de las masas y la ambición corrupta por el poder son presentados de manera brillante por el ojo atrevido de Rocha, quien nos invita a examinar esta realidad desde la mirada de un idealista poeta y periodista. Una fiesta del Avant-garde y una invitación urgente a pensar, discutir e intentar transformar.
 5.  Ciudadano Kane / El Proceso – Orson Welles, Estados Unidos-Francia
Este legendariamente innovador filme toca en la llaga al imperio mediático de los Estados Unidos. “Ciudadano Kane” fue centro de una encarnizada lucha que intentó destruirlo aun antes de ser exhibido. La historia de este fallido intento de supresión artística ha sido en si misma inspiración de documentales como “La Batalla Sobre Ciudadano Kane” y el filme “RKO 281”. Menos conocida, su versión de “El Proceso” de Kafka es una penetrante meditación de los incomprensibles hilos del poder.
 6. Memorias del Subdesarrollo – Tomás Gutiérrez Alea, Cuba
Una compleja y profunda reflexión de la transición política en Cuba bajo el manto de la revolución Castrista, experimentada desde la perspectiva de un intelectual burgués que intenta conectar con la nueva realidad sociopolítica de su pueblo y de su vida. Por su virtuosa e innovadora narrativa y puesta en escena es considerada por muchos críticos como la más importante película latinoamericana de todos los tiempos.
7. Un Día Muy Especial Ettore Scola, Italia
El día especial transcurre durante la multitudinaria visita de Hitler a Mussolini en Roma, años antes de que iniciara la Gran Guerra. Quizás la película de reflexión política más intimista que se haya filmado, una desgarradora reflexión sobre la influencia de los sistemas totalitarios en los sentimientos más vitales humanos. También un lujo de actuaciones: Sophia Loren y Marcello Mastroianni, en la cúspide de su talento y carisma, demuestran porqué son una de las parejas más legendarias del cine.
8. Los Edukadores Hans Weingarther, Alemania

Portada de la película los edukadores. Fuente: Blog centro cultural educativo popular

Favorito en nuestra lista de filmes políticos contemporáneos. Puede ser visto como la excitante puesta en escena de los métodos iconoclastas de un grupo de jóvenes revolucionarios, y al mismo tiempo contemplarse como un punzante ensayo no fatalista sobre la derrota de los movimientos de izquierda más radicales ante las poderosas tentaciones del capitalismo.
9. Yawar Malku, La Sangre del Cóndor – Jorge Sanjinés, Bolivia
Un largometraje actuado en lengua materna por indígenas auténticos en donde se reflexiona sobre la marginalidad y la opresión a la que son sometidos los pueblos nativos. La película presenta una denuncia sin tapujos a los Cuerpos de Paz de Estados Unidos por esterilizar a mujeres indígenas. En la vida real al poco tiempo de la exhibición del filme, y en plena Guerra Fría, los Cuerpos de Paz fueron expulsados de Bolivia. Esto es cine político, revolucionario e independiente en su estado más puro y radical.
10. Xala – Ousmane  Sembène, Senegal
Considerado el padre del cine africano, Sembène, un escritor que a los 40 años reconoce que la mayoría del pueblo de su país no puede leerle, decide hacerse director de cine. Con brillante ironía y humor el filme satiriza la corrupción política endémica posterior a la independencia de Senegal. Con efectiva simbología narra la tragicómica historia de un hombre poderoso que se descubre sexualmente impotente el día de su boda. “Xala” se convirtió en uno de los primeros filmes africanos en ganar reconocimiento internacional.
11. V de Venganza (V de Vendetta) James McTeigue, Estados Unidos
Fotograma de la película "V de Vendetta". Fuente: http://themovierat.com/
Fotograma de la película “V de Vendetta”. Fuente: http://themovierat.com/

Curiosa bestia de minotauro fílmico, mitad producción taquillera con hermosa y talentosa heroína, y la mitad más densa de obra incisiva, poderosamente subversiva. La máscara de V es ya el símbolo icónico de muchas protestas contemporáneas juveniles desde Egipto a Brasil. Si un filme político debe inspirar a la movilización colectica consciente, entonces este es uno de los más notables especímenes del género.
12. I… Como Ícaro Henri Verneuil, Francia
Poco conocida obra maestra que desafía con asombrosa precisión y poder de análisis la teoría del francotirador solitario del asesinato de JFK, en este caso recreando el suceso en un país ficticio. Yves Montand encarna el procurador que se niega a firmar el informe de la comisión investigativa y se embarca en un peligroso proceso de pesquisa independiente. Un efectivo thriller político en una forma brutalmente provocadora e inquietante.
13. La Lengua de las MariposasJosé Luis Cuerda, España

Fotograma del film la lengua de las mariposas. Fuente: serueda.wordpress.com

Con notable sutileza muestra el paulatino cambio en los corazones humanos que puede lograr el miedo ante la llegada de una dictadura, en este caso la victoria del general Franco en la Guerra Civil Española. Una profunda metáfora de la pérdida de la inocencia y la esperanza de todo un pueblo, cuando dejamos de ser capaces de tolerar la bondad.
14. CompañerosMario Monicelli, Italia
Mostrando humor, sensibilidad, ingenio y extraordinarias actuaciones bajo la guía de un impresionante Mastroniani, se expone la lucha de unos obreros para mejorar sus injustas condiciones de trabajo en una fábrica italiana. Película que debería ser un caso de estudio obligatorio para todos los aspirantes a reformar un sistema.
15. Lujuria, PeligroAng Lee, Taiwan
Famosa por sus generosas y controversiales escenas eróticas -logradas con magistral toque estético-, es en realidad una intensa y bien lograda obra de intriga, seducción y espionaje político al más alto nivel. Lee desempolva los fantasmas de la ocupación japonesa al territorio chino y los movimientos creativamente subversivos que ocurrieron.
Otras inspiradoras películas de conciencia política
  1. Good Bye Lenin! (Wolgang Becker, Alemania) – Un joven hace lo imposible para que su madre no sepa que su amada Alemania del Este ha desaparecido
  2. China Town (Roman Polanski, Estados Unidos) – Corrupción política y del sector privado para controlar el recurso agua
  3. Tropa de Elite 1 y 2 (José Padilha, Brasil) – Vinculación del sistema policial y de altas esferas de poder con las estructuras criminales
  4. Bienvenido, Mr. Chance (Hal Ashbi, Estados Unidos) Brillante comedia que satiriza la capacidad de un hombre común de influenciar altas esferas de poder
  5. La Culpa es de Fidel (Julie Gavras, Francia) – Muestra desde los ojos de una niña las intimidades de su familia rica transformada en revolucionaria
  6. La Ola (Dennis Gansel, Alemania) Reflexión sobre el potencial que tenemos todos de, bajo los estímulos precisos, asumir conductas fascistas y dictatoriales
  7. En el Nombre del Padre (Jim Sheridan, Irlanda) – Abuso extremo del sistema judicial que acusa a inocentes de un acto de terrorismo
  8. Zacco e Vanzetti  (Giuliano Montaldo, Italia) – Famoso caso real de dos anarquistas italianos condenados injustamente a la silla eléctrica en Estados Unidos
  9. La Historia Oficial (Luis Puenzo, Argentina) – Los silentes efectos familiares de una dictadura militar
  10. 1984 (Michael Radford, Reino Unido) – Fiel adaptación del clásico de George Orwell que tristemente cada día parece tener más relevancia
  11. El Acorazado Potemkin (Sergei Eisenstein, Rusia) Uno de los grandes clásicos del cine mudo y del cine abiertamente revolucionario
  12. La Ley de Herodes (Luis Estrada, México) – Tragicómica reflexión de la sociopatía de la corrupción latinoamericana
  13. La Chinoise (Jean-Luc Godard, Francia) – Un original ensayo sobre sobre el dogmatismo de algunas militancias izquierdistas
  14. Akira (Katsuhiro Ohtomo, Japón) – Animé de culto que presenta a un Neo-Tokio luego de la 3ra Guerra Mundial. Curiosa mezcla de ciencia ficción e intriga política
  15. Todos los Hombres del Presidente (Alan Pakula, Estados Unidos) – puesta en escena del escándalo Watergate
  16. La Noche de los Lápices (Héctor Olivera, Argentina) – La historia real sobre el trágico secuestro de la dictadura militar a un grupo de estudiantes adolescentes
  17. La Vida de los Otros (Florian Henckel, Alemania) – Control social bajo un régimen comunista totalitario en la Berlín de la Guerra Fría
  18. JFK (Oliver Stone, Estados Unidos) – Propuesta investigativa de la participación de poderes políticos en el asesinato de JFK
  19. También la Lluvia (Icíar Bollaín, España) – Un equipo de filmación español rueda en territorio boliviano un filme sobre la conquista mientras el pueblo se rebela contra una multinacional
  20. Tráfico (Steven Soderbergh, Estados Unidos) – Las complicidades transnacionales y redes de prebendas del narcotráfico
  21. Network (Sydney Lumet, Estados Unidos) – Excesos de poder y fragilidades de un imperio mediático
  22. El Divo (Paolo Sorrentino, Italia) – Lúcida narración de la vida del maquiavélico político italiano Giulio Andreotti
  23. Persépolis (Paronnaud y Satrapi, Francia) – Reflexión intimista de la vida en el exilio de una adolescente luego de crecer en el régimen iraní
  24. La Vida de Harvey Milk (Gus Van Sant, Estados Unidos) – Los profundos prejuicios sociales y la lucha por la reivindicación política de los homosexuales
  25. Machuca (Andrés Wood, Chile) – El Golpe de Estado contra Salvador Allende percibido desde la perspectiva de un niño de familia proletaria
  26. El Jardinero Fiel (Fernando Meirelles, Estados Unidos) – Una compleja red de corrupción política y privada se esconde detrás de una tragedia personal
  27. Lincoln (Steven Spielberg, Estados Unidos) Minuciosa recreación del proceso de negociación política que resultó en la abolición de la esclavitud en Estados Unidos
  28. Los Cien Pasos (Marco Giordana, Italia) – Historia real de un joven revolucionario enfrentado a la mafia siciliana
  29. El Último Rey de Escocia (Kevin McDonald, Reino Unido) – Un idealista doctor se ve atrapado dentro de una brutal dictadura en Uganda
  30. No (Pedro Larraín, Chile) – Un ejecutivo publicitario desarrolla una innovadora campaña para vencer a Pinochet en el Referendo de 1988
  31. Sophie Scholl: Los Ultimos Días (Marc Rothemund, Alemania) – Plasma con veracidad histórica uno de los símbolos de la resistencia alemana al nazismo
  32. In the Loop (Armando Ianucci, Reino Unido) – De las pocas comedias que logra un balance entre el certero análisis político y el humor desvergonzado
  33. Viva Zapata! (Elia Kazan, Estados Unidos) – Marlon Brando encarna al líder revolucionario mexicano en una biografía fílmica de alto calibre
  34. El Año en que mis Padres se Fueron de Vacaciones (Cao Hamburger, Brasil) – Sensible historia sobre un niño que espera a sus padres revolucionarios en el momento en que inicia tanto el mundial de futbol como una dictadura
  35. La Cortina de Humo (Barri Levinson, Estados Unidos) – complot político para fabricar una guerra y ocultar un escándalo sexual presidencial. Film profético en el cual durante su producción surgió el escándalo Clinton-Lewinsky y se amenazó invadir Irak… la realidad copiando la ficción?

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40 películas de cine social que no debes perderte

40 películas de cine social que no debes perderte

Escena de “El Gran Dictador”, con Charles Chaplin. Fuente: cinebelicoalternativo.blogspot.com
 
  1. Erin Brockovich (2000), de Steven Soderbergh  
  2. Ser y tener (Être et avoir) (2002), de Nicolas Philibert
  3. Pan y rosas (2000), de Ken Loach
  4. Te doy mis ojos (2003), de Icíar Bollaín
  5. En tierra de hombres (North Country) (2005), de Niki Caro
  6. El color púrpura (1985), de Steven Spielberg
  7. La lengua de las mariposas (1999), de José Luis Cuerda
  8. En el mundo a cada rato (2004)de Patricia Ferreira, Pere Joan Ventura, Chus Gutiérrez, Javier Corcuera y Javier Fesser
  9. Mi nombre es Harvey Milk (2008)de Gus Van Sant
  10. Los olvidados (1950)de Luis Buñuel
  11. El Cairo, 678 (2010), de Mohamed Diab
  12. Una jornada particular (1977), de Ettore Scola
  13. Las mujeres de verdad tienen curvas (2002), de Patricia Cardoso
  14. Amores perros (2000), de Alejandro González Iñarritu
  15. Slumdog Millonaire (2008), de Danny Boyle y Lovellen Tandan
  16. Los chicos están bien (2010), de Lisa Cholodenko
  17. El gran dictador (1940), de Charles Chaplin
  18. Las tortugas también vuelan (2004), de Bahman Ghobadi
  19. Promises (2001), de Justine Shapiro, B.Z. Goldberg y Carlos Bolado
  20. Philadelphia (1993), de Jonathan Demme
  21. Evelyn (2011), de Isabel de Ocampo
  22. Radio favela (2002), de Helvécio Ratton
  23. El domingo si Dios quiere (Inch’Allah dimanche) (2001), de Yamina Benguigui
  24. Roma, ciudad abierta (1945), de Roberto Rossellini
  25. Billy Elliot (2000), de Stephen Daldry
  26. Los espigadores y la espigadora (Les glaneurs et la glaneuse) (2000), de Agnès Varda
  27. Veronica Guerin (2003), de Joel Schumacher
  28. La voz dormida (2011), de Benito Zambrano
  29. Pa negre (2010), de Agustí Villalonga
  30. Rebelle (2012), de Kim Nguyen
  31. Welcome (2009), de Philippe Lioret
  32. Generación robada (2002), de Phillip Noyce
  33. Persépolis (2007), de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud
  34. A ciegas (Blindness) (2008), de Fernando Meirelles
  35. Madame Brouette (2002), de Moussa Sene Absa
  36. La vendedora de rosas (1998), de Víctor Gaviria
  37. Bowling for Columbine (2002), de Michael Moore
  38. Frozen River (2008)de Courtney Hunt
  39. El señor Ibrahim y las flores del Corán (2003), de François Dupeyron
  40. El patio de mi cárcel (2008), de Belén Macías

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Los libros que dio 2016 para no quemar

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Los libros que dio 2016 para no quemar


Viaje al Macondo real, Alberto Salcedo Ramos. Pepitas de calabaza
Probablemente, el libro del año. Un viaje más que real a la tierra real de Gabriel García Márquez. Un vasto ejercicio de periodismo. Lírico hasta donde llega la vida cotidiana de los personajes más insospechados. Un relato de las violencias que atraviesan los lugares como el vuelo de las aves. Alberto Salcedo Ramos es editado al fín en España. Exponente de la recobrada crónica latinoamericana, que en realidad es simple periodismo, honesto, magicamente real.


Los mercaderes del Ché. Alex Ayala Ugarte, libros del KO.
Otra joya del periodismo, y por supuesto editado por una editorial al margen de la megamáquina editorial del periodismo oficial. El boliviano Alex Ayala Ugarte viaja a los lugares donde 40 años después de ser ejecutado, el Ché es ahora considerado un santón que hace milagros. La mujer que lavó su cuerpo es ahora una visionaria que cobra por ofrecer relatos de las últimas horas del revolucionario. Alex Ayala Ugarte ofrece un mosaico de la realidad sudamericana retratando las “grandes hazañas de personajes minúsculos”. Desde el discreto sastre de Evo Morales y todos los presidentes de Bolivia, las últimas personas que vivieron junto a Pablo Escobar, agentes que consultan calaveras para resolver homicidios, hasta las hazañas de Antonio García Barón, anarquista superviviente de Mathausen que fundó en el Amazonas boliviano una república libertaria.


El Antropoceno. Ramón Fernández Durán, Virus Editorial
En Septiembre de este año un grupo científico confirmó que la tierra entró en una época geológica. Los humanos hemos cambiado el ciclo vital del planeta. Hemos superado ya el Holoceno. Este libro sirve para entender cómo el capitalismo global se convierte en el principal agente geomorfológico.


Sobre nada y otros ensayos.  Mark Strand, editorial Turner.
En una cultura que fomente la lectura rápida, la comida rápida, los informativos rápidos y otras formas veloces de absorción, ¿quién quiere algo que exige ir más lentos? Leyendo estos ensayos y textos en prosa entendemos que la poesía nos abre incertidumbres y misterios mas allá de sus propios significados.


Mientras haya bares,.Juan Tallón Círculo de tiza
Este es un libro que junta textos escritos por un autor en distintos medios y formatos. Relatos que se sumergen en el  absurdo, en el desastre que nunca termina de llegar del todo y que indagan con humor y elegante distancia  acerca de la huída, el fracaso, la incomunicación o los procesos creativos.


Doscientas sesenta y siete vidas en dos o tres gestos,  Eugenio Baroncelli. Periférica
Los  sugerentes textos de Baroncelli nacen de una ironía cáustica y erudita que hace convivir a figuras reales (casi todas ellas) con otras que podían haber existido también y que funcionan para hablarnos de alguna época o de algún suceso. Compendio de biografías que se lee con disfrute en cada página.


Puente de hierro. José Antonio González-Haba.  Valparaíso ediciones.
Murió sin haber publicado. Fue un outsider de verdad, no solo literario. El poeta establece su diálogo con los objetos de la vida cotidiana, el armario, la mesa, la silla, convirtiendo su habitación en un espacio alegórico, incapaz de negociar con el mínimo de convenciones que permiten un orden en la vida.


Horas en una biblioteca. Virginia Woolf.  Seix Barral
Esta compilación abarca toda la trayectoria de Virginia Woolf, desde sus primeros ejercicios de crítica literaria y ensayo informal, hasta sus últimas y rigurosas piezas acerca de autores como Kipling, Melville, Dostoievski o Conrad.


Las aventuras de la Mercancía. Anselm Jappe. Pepitas de calabaza
¿Y si la lucha contra el capitalismo no estuviera en modo alguno en las multinacionales sino en algo más oculto como es el propio proceso fetichista de la creación de valor en un producto que todos damos por válido? Este libro es todo un descubrimiento. Apasionante. Nos descubre el fetichismo de las mercancías. Haciendo una revisión clara sin neolenguaje economicista, Anselm Jappe descubre la esencia del funcionamiento fetichista que fue igual en los dos sistemas económicos supuestamente antagónicos: el capitalismo y el comunismo. Nada de eso. Y es que además, este libro es también un viaje a nuestro comportamiento psíquico ante el propio proceso de creación de “valor” en las cosas, el verdadero adn del sistema. De todo ello sale una crítica al marxismo y al sindicalismo que siguiendo la aceptación del fetichismo mercantilista afianzaron el capitalismo integrando en él a los trabajadores convirtiéndolos en consumidores de productos con “valor” añadido. Pero ese “valor añadido” ha dejado de existir: el capitalismo, debido a su propio éxito y a la tecnología no puede crear ni más empleo ni más consumo. ¿El futuro? El fin de las mercancías.


Historia argentina. Rodrigo Fresán. Anagrama
Aparecidos, desaparecidos, desaparecedores profesionales y amateurs, golpes de Estado, estados depresivos, Estados Unidos, montoneros, rock`n`roll, inexactitudes biográficas, islas Malvinas. La imposibilidad de cambiar la historia y el relativo consuelo de poder contarla de otra manera.


Las cosas que perdimos en el fuego. Mariana Enriquez. Anagrama
Inquietantes, perturbadores y a veces salvajes los relatos de la argentina Mariana Enriquez, en la que la realidad se mezcla con las más terribles de las pesadillas como si se abrieran los agujeros negros que escondemos.


Tierra de brujas. María Ferreira Viajesalpasado
Todo un descubrimiento esta  mujer que publica en una pequeña e interesante editorial . No es la calidad literaria lo que marca este libro, sino la juventud de su autora, su testimonio de Kenia directo, salvaje,  descarado, sin censuras ni buenismos  fuera de cualquier ONG, en la que la realidad supera a la autora de tal manera que tiene que renunciar a su “occidentalismo”.


El solitario del desierto. Edward Abbey. Capitán Swing
El libro de Abbey es la crónica del último Thoreau del desierto del Colorado dando cuenta de la muerte de este inmenso paraje a manos de un turismo desaforado e industrial. Abbey, el poeta, el insurgente, el guarda forestal, reflexiona en este diario sobre el fin de la naturaleza y la necesidad de comunión animal con ella.


A nuestros amigos. Comité invisible. Pepitas de calabaza
Un fantasma recorre Europa y el mundo: las insurrecciones que burbujean por doquier en barrios y plazas. El comité invisible está compuesto por jóvenes de la región de Tarnac considerados muy peligrosos por el gobierno francés e involucrados en sabotajes al tren de alta velocidad. Desde Túnez, pasando por la plaza Tahrir de El Cairo, Damasco, las primeras asambleas del 15M español, los movimientos telúricos en barriadas francesas. Este agudo panfleto desmonta la realidad del sistema: sin las infraestructuras no es nada; solo con ellas lo es todo. Toda rebelión se apaga porque cae en la trampa de mirarse en el espejo del poder: pretender gobernar de alguna manera aunque de “otra manera”. Otra máxima: la crisis es el modo de gobernar. Este libro advierte de las vías de la resistencia frente al Orden. Un aliento subversivo para poner el orden patas arriba.


Ensayos interpretaciones y diagnósticos. Lewis Mumford. Pepitas de calabaza.
Recuperar a Lewis Mumford es una de las mejores cosas que han pasado a la lengua castellana en el último siglo. Mumford no sólo fue un destacado crítico de la arquitectura, sino un genial humanista, poseedor de una sensibilidad magistral. Sus aportaciones en múltiples disciplinas es un legado que ha decidido recuperar pepotas de Calabaza. Este volumen de ensayos no tiene precio. Abarca reflexiones sobre literatura, historia, arte, nuestra civilización y nuestra vida. Su mirada no podría ser tan lúcida como imprescindible: los pensadores occidentales, el presente de nuestra civilización, el hombre post histórico, las utopías, la mecanización de la cultura, el modo de muerte americano, el futuro del hombre. Mumford es un Leonardo pesimista, aunque en estos ensayos se abran resquicios para aún la posibilidad del hombre.


La máquina se para. E.M. Forster . Ediciones El Salmón.
Una distopía – aún más próxima a nosotros Que las de Orwell y Huxley – que relata los tiempos que vivimos supeditados a la megamáquina tecnológica, pero escrita en 1903 por E.M. Forster, autor de Pasaje a la Inidia, Una habitación con vistas o Howard´s End. Hombres frente a pantallas y espacios cerrados durante sus 24 horas, aislados por gracia de una Megamáquina programada para pensar por ellos. Los díscolos o no aptos son deshauciados socialmente. Kuno, su protagonista, lo es por aventurarse a explorar el exterior. El desarrollo social es sólo el desarrollo de la máquina. Hasta que esta no puede ser controlada. Cuántos Kunos hay entre nosotros?


Evasores, morosos y millonarios vascos. Ahoztar Zelaieta, Revista Hincapié.
La publicación de los papeles de Panamá fue una cortina de humo. Mucho ruido y pocas nueces. De los evasores y millonarios que figuraban poco o nada se ha publicado. Aún menos del nutrido grupo de millonarios vascos que en ese y otros listados aparecen. Ahoztar Zelaieta coteja esos nombres con los morosos ante Hacienda, dando así lugar a un listado de imponentes personajes de la crema social vasca y española. Este es el verdadero listado de la evasión financiera y del poder. Una denuncia que está siendo silenciada en Euskadi con vetos a su autor expresos en medios de comunicación controlados por el PNV. Este libro es la tercera pata del panegírico de la corrupción en Euskadi. Los anteriores libros de Zelaitea, editados por la revista Hincapié son La casta vasca, y Kutxabank: el squeo de Euskal Herria.

XXI. mendeko beldurrezko filma onenak - Las mejores películas de terror del siglo XXI

[Hipsterren eta freakien Jot Down aldizkariko orri digitaletatik 2000etik 2014rarteko (azken 3 urtetakoak falta zaizkiguNK) en gomendio filmiko hauek ondorenean, jakina beldurrezko filmak gustatzen zaizkigunontzat. Esan hemen badaudela niri izugarri gustutau zitzaizkidan zonbien bi filma orain 3 egun itsatsi niNan Ikusi makusi, zer ikusi? blogeko Gaizka Izagirrek aipatu ere egin ez zizkiNanak, eta hori ez zegoNK onartzerik, kar kar, edozer ikutu dezakeNK baina "zonbi" korrikalariak ez!! Gainera Hard Candy filmatzarra ere hor zegoNK Cristianek gomendatua, hala ere biek ala batek dizkiteNK zerrendan inoiz gomendatuko ez niZKI(N)an REC filma edo eta Paranormal Activity kaxkarrak, jakinak biak ala biak La Niebla eta Anticristo egundokoak eta oraindik ikusi ez dizkiNadan beste zenbait ere aipatzen dizkiteNK.
Eta beste kontu bat, inork ez al diNK oraintxe burura etorri zaizkidan Shyamalan-en El bosque eta El incidentetaz ezer esan behar?]

Las mejores películas de terror del siglo XXI   

¿Cómo calificar el cine de terror de la década de los noventa? Con una sola palabra: cochambroso. Tan cochambroso era que no había crítico, director, productor o aficionado que no diera por muerto al género en fecha tan temprana como 1995.
Por aquel entonces la programación del festival de Sitges daba más vergüenza que miedo, las parodias del estilo de Scream eran recibidas con aplausos lentos como grandes renovadoras del género y las sagas de encefalograma plano para adolescentes alelados amenazaban con consolidar una peligrosa idea. La de que el cine de terror es al cine lo que las tertulias televisivas al debate intelectual: un sucedáneo para humanoides con nulo criterio, ralas neuronas y escasas exigencias. La idea dominante a finales de la década era que el terror había dado lo mejor de sí mismo durante los años setenta. Échenle un vistazo a las listas publicadas por ahí de las mejores películas de terror de la década y se darán cuenta de la magnitud de la tragedia: It, Misery, El sexto sentido, Abierto hasta el amanecer, Candyman, Sé lo que hicisteis el último verano
Atroz, sí.
Pero entonces llegó el extremismo de la nueva ola del cine de terror francés. Y El proyecto de la bruja de Blair. Y la frialdad visceral del cine de terror asiático.
Precisamente son The Ring en 1998 y El proyecto de la bruja de Blair en 1999 los que inauguran el cine de terror del siglo XXI de la misma manera que la década de los sesenta no empieza hasta que los Beatles prueban por primera vez el LSD ¡en 1965! O de la misma manera que los ochenta nacen en realidad con la llegada del punk en 1977.
Y quizá sea cierto que el siglo XXI no ha dado todavía una obra maestra a la altura de El exorcista, El resplandor, La semilla del diablo, Inseparables, La matanza de Texas, La cosa, La noche de los muertos vivientes o Alien. Pero lo que no puede negar ni el más obtuso de los fanáticos del género es que, a diferencia de la música pop, reducida durante los últimos veinte años a niveles de festival veraniego, es decir de encefalograma plano, el terror ha dado un salto cualitativo hacia la densidad y los contenidos adultos muy de agradecer para aquellos que seguimos creyendo en el cine como una forma de arte netamente superior a la literatura.
El cine de terror de los primeros años del siglo XXI, en definitiva, no enlaza con los productos cinematográficos de consumo masivo y aristas romas de la década anterior, sino con nombres como Roman Polanski, el Marqués de Sade, Georges Bataille, el arte marginal de Henry Darger o Alexandre Lobanov, Luis Buñuel, William S. Burroughs, Jean Genet, Grant Morrison, David Cronenberg y la obra de los hermanos Jake y Dinos Chapman. De ahí que directores ajenos por completo a la ortodoxia del género, como Lars von Trier o David Lynch, aparezcan en este artículo.
La siguiente lista es, aviso antes de que alguna beatilla sectaria empiece a pedir las sales, heterodoxa. Incluye varias sugerencias de Bárbara Ayuso (gracias) y parte de la idea de que el cine de terror no es solo aquel que rebosa hemoglobina, descuartizamientos y camisones raídos sino todo pedazo de celuloide capaz de proporcionarle placer al espectador haciéndole pasar el mal rato de su vida. Eso extiende las fronteras del género hasta cualquier forma de tortura física o psicológica susceptible de ser representada visualmente. El que prefiera la visión ortodoxa tiene decenas de blogs y páginas web especializadas a su disposición. Como la de Bloody Disgusting, por ejemplo.
El cine de terror, en resumen, ha pasado durante los primeros años del siglo XXI por el mismo proceso evolutivo que el metal, con el que comparte referentes artísticos y filosóficos. La historia es esta. Tras una década de los noventa dominada por auténticas odas al muermo y la oligofrenia como el nu metal, música de ascensor para doceañeros malotes y que no por casualidad suena en muchas de las bandas sonoras de las películas de terror de la época, el metal hizo a principios de siglo lo que no había hecho hasta ese momento. Expandir las estrictas y muy cerradas fronteras del género hasta terrenos remotos como el del jazz, el ambient, la música contemporánea, las vanguardias y la música electrónica. El resultado es la única escena musical que a día de hoy sigue evolucionando y entregando obras maestras con regularidad mientras el pop y la llamada música independiente languidecen miserablemente en su propia mediocridad. Entre otras razones por la falta de exigencia intelectual de su público habitual, los moñas de los hipsters.
Pues bien, eso es exactamente lo que hizo el terror a finales de los años noventa: evolucionar expandiéndose hacia otros géneros.
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30. Amanecer de los muertos (Zack Snyder, 2006)
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Siento empezar la lista con una irreverencia, pero el cine de George A. Romero ha envejecido peor que mal. Las excepciones son La noche de los muertos vivientes y su secuela Zombi, de la que Amanecer es un remake. De nostalgia no se vive y el sector muertos vivientes pedía a gritos una actualización 2.0 que lo adaptara a los gustos del público contemporáneo, bastante menos inocente que el de las décadas anteriores. Y esa actualización llegó de la mano de Snyder y su Amanecer de los muertos. Una película que en muchos aspectos, y lo siento de nuevo por los fans de Romero, supera netamente al original.
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29. Conejos (David Lynch, 2002)

Conejos no es en realidad una película, sino una serie de nueve cortos protagonizados por tres conejos humanoides interpretados por Naomi Watts, Laura Elena Harring y Scott Coffey. En un escenario de pesadilla, una claustrofóbica habitación aparentemente anclada en los años cincuenta y en cuyo exterior llueve sin parar, los tres conejos entablan conversaciones inconexas y recitan inquietantes poemas mientras en la pared se abre un agujero en llamas. Ustedes deciden si prefieren la etiqueta de terror experimental, la de terror psicológico o la de terror surrealista.
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28. The Lords of Salem (Rob Zombie, 2003)
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Otras dos películas de Rob Zombie podrían estar en el lugar de The Lords of Salem. Son La casa de los mil cadáveres y Los renegados del diablo. Escojo The Lords of Salem porque, sin ser la mejor del lote (esa sería Los renegados del diablo), sí es la más personal y la que maneja unos referentes más densos. Entre ellos La semilla del diablo de Polanski, pero también otros menos evidentes. A mí personalmente me carga la misantropía redneck de Zombie, pero redactar una lista como esta y no incluirlo sería hacerse trampas al solitario.
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27. Open Water (Chris Kentis, 2003)

Una joya. Una pareja de buceadores queda abandonada en alta mar. Los tiburones acechan bajo sus pies. La pareja confía en su rescate. Ya saben: la jodida esperanza. Si no fuera por ella, ¿qué poder tendría sobre nosotros la muerte? Open Water es, en definitiva, una pequeña película de modestas ambiciones pero enormes e inquietantes resultados.
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26. Hard Candy (David Slade, 2005)
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Lo fácil sería inscribir Hard Candy en el árbol genealógico del género de violación y venganza, esa ramificación de los films exploitation de la década de los setenta en los que una mujer se venga violentamente de sus violadores. Solo que en Hard Candy no hay violaciones. Lo que sí hay es venganza. Una tan diabólica, malsana e hija de puta que logra que te olvides de la torpeza como director de David Slade. De Ellen Page poco que decir: es un metro y cincuenta y cinco centímetros de diosa.
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25. Arrástrame al infierno (Sam Raimi, 2009)
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Digámoslo corto: Arrástrame al infierno es el homenaje de Sam Raimi a Sam Raimi. El invento podría haber salido mal. Pero salió bien. Muy bien, de hecho. Arrástrame al infierno es gamberra a ratos, hilarante con frecuencia, puntualmente brillante y, sobre todo, inteligente. Atesora tres o cuatro gags de los vuelta al ruedo y salida por la puerta grande, rebosa mala leche y sus concesiones a la comercialidad no estorban. Ojalá todos los productos destinados al consumo masivo fueran como este.
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24. Saw (James Wan, 2004)
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Javier Ocaña dio en el clavo con su crítica de Saw en el diario El País: «Wan es un listo con todas las letras. Los giros de la trama son tan originales como tarados y el seguidor de este tipo de productos se va a reír de asuntos que no tienen la más mínima gracia. Sin embargo, Saw contiene errores (…) cuando saca la acción al exterior del cuarto de baño decae muchos enteros». Nada más que añadir. Es decir, sí: lo peor de Saw no es su desequilibrio entre lo que sucede en el cuarto de baño y lo que sucede en el exterior. Lo peor es que esto último sea una imitación innecesariamente burda de Seven. A pesar de ello, Saw es una película notable, a años luz de sus infames secuelas o de la sobrevaloradísima Hostel.
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23. 28 días después (Danny Boyle, 2002)
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Si la importancia de una película se midiera por la cantidad de ideas originales imitadas por sus sucesores, 28 días después (que por cierto no es una película de zombies sino sobre la naturaleza humana) estaría a la altura de Ciudadano Kane. Además, esta mujer poseída por el espíritu de Fräulein Rottenmeyer y que pasa por ser crítica de cine en el Washington Post dijo que 28 días después era detestable. ¿Qué más necesitan para convencerse de sus muchas bondades?
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22. La cabaña en el bosque (Drew Goddard, 2013)
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No soy yo muy partidario de esos ejercicios de estilo disfrazados de homenaje nostálgico. Léase Super 8 o esta La cabaña en el bosque, a la que no por casualidad se compara con frecuencia con Scream. Suele olvidarse que lo que convertía en entrañables a los originales que estas películas imitan era precisamente su inocencia, no su fría distancia irónica de universitario gilipollas con ínfulas. Dicho lo cual, mentiría si dijera que La cabaña en el bosque no es una película redonda que consigue todo lo que pretende y además con nota. Léase entretener. El que espere además asustarse va dado. Mejor dicho: se asustará en la misma medida en la que se asustaban los espectadores de Abbott y Costello contra los fantasmas.
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21. Monstruoso (Matt Reeves, 2008)

Hay poco más en Monstruoso de lo que se ve a simple vista. Y esa es, precisamente la principal virtud de una película en la que el espectador sabe aún menos que los propios personajes sobre esa criatura capaz de arrancarle la cabeza a la Estatua de la Libertad de un guantazo. Y es que todo en Monstruoso es intuido: las motivaciones del monstruo, su origen, la razón de su aparente invulnerabilidad, su destino final… O mucho me equivoco o en unos años Monstruoso adquirirá el estatus de pequeña obra de culto.
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20. Paranormal Activity (Oren Peli, 2007)
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Supongo que ya conocen la diferencia entre eficiencia y eficacia pero aun así yo se la explico. La eficiencia es la relación entre los medios empleados para la consecución de un determinado objetivo y la magnitud de ese objetivo. La eficacia es la habilidad para conseguir determinados logros. Un tipo que es capaz de escribir cinco artículos como este en un solo día es eficiente. Un tipo que escribe uno solo pero que consigue publicarlo en el Washington Post es eficaz. Pues bien: Paranormal Activity es la película más eficiente de la historia (costó quince mil dólares y recaudó ciento noventa y tres millones) pero también una de las más eficaces (fue comprada por Paramount tras los primeros pases a pesar de sus muy modestas aspiraciones iniciales y ya cuenta con tres secuelas y un spin-off). Paranormal Activity tiene dos virtudes. La primera es su inquietante uso de la cámara casera. O lo que es lo mismo: su habilidad a la hora de aterrorizar al espectador sin necesidad de recurrir a ninguno de los recursos de montaje habituales. El segundo, su generosidad. Y es que si no les gusta el final, tienen otros dos a su alcance. Uno de ellos especialmente perturbador.
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19. Anticristo (Lars von Trier, 2009)
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Miren: yo entiendo los reparos respecto al cine de Lars von Trier. Y hasta entiendo el cachondeo con su persona. El nivel del personal es el que es e internet no da para más. Pero una película que admite al menos una docena de niveles de lectura, y todos ellos válidos, es una puñetera obra maestra. Sí, Anticristo es excesiva, pedante, enfática y afectada. Y hasta es posible que gratuitamente sádica. Pero si salen del cine después de verla sin un par de preguntas en la cabeza sobre la culpa, el mal, la misoginia y la impiedad, es que son ustedes una maleta incapaz de aprehender intelectualmente nada que vaya mucho más allá de un chiste de cojos, putas y franceses contado con acento extremeño.
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18. La maldición (Takashi Shimizu, 2000)
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El terror, como el sentido del humor y la gastronomía, va por barrios. Y nada parecía asegurar en 2000 que el terror que provocan entre los japoneses los yūrei (así llaman allí a los fantasmas) fuera a reproducirse en Occidente. Pero lo hizo. Y de qué manera. Del merecido éxito de La maldición da cuenta el hecho de que se trata de una de las pocas películas que ha superado su inicial estatus de culto para pasar al nivel superior: el de las películas capaces de crear por sí solas un icono cultural perdurable.
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17. Session 9 (Brad Anderson, 2002)
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Tan injustamente infravalorada como la siguiente película de Anderson, El maquinista. Session 9, una de esas películas en las que el escenario (en este caso un hospital psiquiátrico) resulta ser el más aterrador de los personajes, es extraña, tensa y bastante más compleja de lo habitual en el género. Quizá por eso pasó relativamente desapercibida en su momento: su nivel de densidad estaba muy por encima de las capacidades intelectuales del aficionado medio al cine de terror.
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16. Dos hermanas (Kim Jee-woon, 2003)
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Los usuarios de la web Filmaffinity la califican de lenta, abstracta, compleja, pedante, incomprensible, contemplativa, malrollista y soporífera. A estas alturas no hace falta que les recuerde lo que opino yo de las masas digitales, así que la conclusión cae por su propio peso: Dos hermanas es una película esencial y una de las más originales del cine de terror asiático contemporáneo. Y no es especialmente lenta, por cierto. Siempre y cuando tu capacidad de concentración supere la de un carpín.
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15. Eden Lake (James Watkins, 2008)
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El análisis del porqué del terror que provocan los adolescentes daría para un ensayo de mil páginas. Aunque es pura psicología evolutiva. Está por supuesto su necedad. Está su sumisión a las normas del grupo. Está su propio miedo a ser rechazados. Está la aleatoriedad de su violencia. Está ese axioma que dice que la inteligencia de un grupo cualquiera de seres humanos es siempre la del más descerebrado de sus miembros. La adolescencia, en definitiva, es aterradora, siniestra e inhumana. También ruda, inexorable y violenta, pues no tiene escapatoria posible y de ella solo se sale tarado o con los pies por delante. Eden Lake habla precisamente de eso.
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14. Triangle (Christopher Smith, 2009)
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Triangle es frágil como un castillo de naipes. Tan frágil que resulta prácticamente imposible escribir algo acerca de ella sin destripar parte de su misterio. Los que la han visto saben de qué estoy hablando. Ni siquiera estoy seguro de que Triangle sea una película de terror y no un rompecabezas más metafísico que matemático, en la línea de Primer o Looper. Digamos que M.C. Escher la disfrutaría con gusto. Y que algunas de sus escenas merecen pasar a la galería de las más turbadoras de la historia del género. Y hasta ahí voy a leer.
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13. Inland Empire (David Lynch, 2006)
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Si realizara una encuesta rápida entre los lectores de este artículo y les preguntara cuál es la experiencia más aterradora que pueden imaginar es probable que muchos de ellos respondieran a) un dolor físico extremo; b) la posesión; c) la locura. Pero el terror más extremo no es ninguna de esas tres opciones por la sencilla razón de que todas ellas pueden ser imaginadas por cualquier ser humano. Es decir racionalizadas. El terror supremo es aquel que, precisamente, se sitúa fuera de los límites del raciocinio y la imaginación humana. Es aquel que no puede ser fantaseado, ni explicado, ni diseccionado, sino solo percibido. Es el terror que no tiene un porqué y ni siquiera un cómo. Es el terror de Inland Empire.
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12. Las colinas tienen ojos (Alexandre Aja, 2006)
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Ahí va un hueso para puristas: el remake de Alexandre Aja de Las colinas tienen ojos es muy superior al original de Wes Craven de 1977. Por su crudeza, por su atmósfera claustrofóbica y por su mensaje, bastante más desesperanzador que el de la película original. Y es que donde Wes Craven dejaba respirar la herida del espectador con pequeños detalles de humor negro, Aja vuelca el salero entero. No es sutil, cierto. Pero es eficaz. Punto a favor por la recuperación del maravilloso eslogan de 1977: «Los suertudos mueren primero».
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11. El expediente Warren (James Wan, 2013)
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Posesiones demoníacas, casas encantadas, brujería, atmósferas y maneras setenteras, Vera Farmiga, la muñeca más inquietante de la historia del cine, mecedoras, sótanos y un desenlace con homenaje al dios suicida de Begotten incluido. James Wan pasará a las enciclopedias del género como el director de Saw. Pero El expediente Warren es su película más tensa y visceral. No es una película original (tampoco lo eran Saw o Insidious) pero sí una película importante.
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10. Funny Games (Michael Haneke, 2007)
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Con diferencia, la película más turbadora de esta lista por su medido uso de la violencia fuera de plano. Y dirán ustedes, ¿cómo puede resultar turbadora la violencia fuera de plano? Pues precisamente por eso, criaturas: porque lo que importa no es lo que se ve en pantalla sino lo que imagina y siente el espectador, al que Haneke manipula a placer convirtiéndolo en un sádico voyeur. ¿Aporta algo este remake americano con respecto al original austríaco de 1997, también dirigido por Haneke? No mucho. Mejor: así tenemos dos obras maestras por el talento de una.
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9. El proyecto de la bruja de Blair (Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, 1999)
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El proyecto de la bruja de Blair no es la primera película que se rueda cámara en mano, ni la primera del género de metraje encontrado, ni la primera que pretende acceder a un nivel superior de terror por medio del realismo… pero sí es la primera que consigue cuajar en el mismo recipiente todos esos ingredientes y acceder al público masivo con ellos. El proyecto de la bruja de Blair es al repulsivo cine de terror de la década de los noventa lo que el punk al rock progresivo: sal de frutas para el empacho de artificiosidad. También es la película que acaba con esa vieja confusión de la que participa incluso gente frecuentemente inteligente: el arte concebido originalmente como arte puede convertirse (o no) en un producto de éxito, pero ningún producto de éxito masivo concebido en un principio como tal se convertirá jamás en arte.
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8. Melancolía (Lars von Trier, 2011)

Por supuesto, Melancolía no es una película de terror en sentido estricto. ¿Es Melancolía una metáfora de la depresión? Sí y no. Lo es más bien de la falta de sentido. De la banalidad de la existencia. De ese fatalismo preclaro en el que es inevitable caer tras adquirir conciencia de que no existe propósito ni designio ni aspiración ni meta elevada alguna para ese viaje desde una cloaca infecta hasta un agujero pútrido que es la vida humana. Y por eso Lars von Trier nos muestra el desenlace de la película durante sus primeros minutos: para que el espectador cate de primera mano la desesperanza y no se haga vanas ilusiones acerca de un final feliz. Melancolía es en este sentido el reverso oscuro de El árbol de la vida de Terrence Malick. Que es precisamente una película sobre el sentido de la existencia. O mejor dicho: sobre la existencia de sentido. Melancolía y El árbol de la vida, puestas frente a frente, se parecen mucho a esto. Así que tienen razón ustedes: Melancolía no es una película de terror. Pero sí es una película aterradora.
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7. The Ring (Hideo Nakata, 1998)
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La película que desató la fiebre por el cine de terror asiático contemporáneo sigue siendo, quince años después de su estreno, la más recomendable del pack. Y, miren, si no lo dice otro lo diré yo: el cine asiático de género (no hablo de Kurosawa, Yimou, Kang-wai, Ozu, Mizoguchi, Kitano, Chan-wook Park y etcétera) será muy disfrutable y entrañable y original. Original para nosotros, claro: para ellos es lo de siempre. Pero también es de un infantilismo que roza la bobería. Esa estratificación social de raíces castrenses, esa visión tarada del honor y la vergüenza y la culpa, esa fragmentación bizarra y esa ineptitud genética para el montaje que suele convertir en un suplicio la simple tarea de seguir la historia, ese rechazo de la naturalidad y los sentimientos y la empatía… todo eso será muy fascinante y muy budista y todo lo que ustedes quieran visto desde el balcón. Pero a pie de calle resulta risible. Dicho lo cual, con The Ring sonó la flauta y con Dark Water, Kairo (Pulse) y Audition se mantuvo el nivel. Del resto, ya se lo avanzo yo, se puede prescindir sin temor a perderse nada excesivamente importante. A The Ring hay que reconocerle una atmósfera malsana, un vídeo grimoso, un par de escenas aterradoras de verdad y una idea de partida inquietante. Y por cierto: su remake hollywoodiense, al igual que el de Dark Water, desmonta ese argumento facilón que defiende la idea de que «el original asiático es siempre mucho mejor que su remake americano». Habría mucho que discutir sobre eso.
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6. À l’intérieur (Alexandre Bustillo y Julien Maury, 2007)
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Con el permiso de Mártires, la cima del nuevo cine de terror francés. Bastan tres palabras para definirla. Embarazada. Tijeras. Atroz. Procedan con cautela y bajo su propia responsabilidad porque À l’intérieur es una película perturbada y perturbadora como pocas.
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5. [·REC] (Jaume Balagueró y Paco Plaza, 2007)
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Se merece su más que habitual presencia en los puestos más altos de las listas de las mejores películas de terror de los últimos años. A favor de Jaume Balagueró y Paco Plaza, su habilidad para manejar con sádica crueldad ese arma llamada crescendo, el formato de reportaje televisivo cámara en mano, la elección de Manuela Velasco como protagonista y un desenlace capaz de crujirle los nervios al más pintado. [·REC] es moderna, aterradora y castiza en el buen sentido de la palabra. Pero lo mejor que se puede decir de ella es que podría estar perfectamente en el número uno de la lista.
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4. La niebla (Frank Darabont, 2007)
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Dejemos la modestia para los que no tienen nada de qué vanagloriarse: el mejor artículo escrito sobre La niebla se lo cascó aquí un servidor (ejem) en cierto tugurio digital ya finiquitado y que solía frecuentar gente de mal vivir y peor razonar. Volver a escribir lo mismo que ya escribí en su momento con otras palabras sería una idea digna de quien asó la manteca, así que mejor le echan un ojo allí mismo si es que el tema les interesa. Eso sí: ojito con el texto porque es un spoiler de los que hacen época.
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3. Mártires (Pascal Laugier, 2008)

Dice la leyenda que más de treinta curtidos y experimentados festivaleros habituados a todo tipo de atrocidades fílmicas abandonaron sus butacas durante la proyección de la película en el festival de Sitges de 2008. Mártires, sí, es una película excesiva. De las difíciles de mirar. Y, como todo exceso, cuenta con su secta de admiradores y su horda de detractores. Los primeros veneran su ferocidad y los segundos detestan su hipotética desmesura. Y digo hipotética porque si por algo destaca Mártires es precisamente por su sequedad. Claro que para darse cuenta de eso hay que leerla bien.
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2. The Descent (Neil Marshall, 2005)
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Seis amigas a la búsqueda de emociones fuertes quedan atrapadas en una remota caverna de los Apalaches mientras son acosadas por una raza de depredadores caníbales. Dicho así suena ridículo. Pero no juzguen el libro por su portada. The Descent superpone de forma brillante tres capas de tensión: la provocada por los moradores de la cueva, la que se deriva de la cueva en sí (un personaje más de la película) y la de las tensiones latentes entre las seis amigas. Que es la más brutal y primigenia de las tres y la que hace que The Descent deje una grieta en la psique del espectador tan abrupta como esa por la que descienden las seis protagonistas.
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1. Déjame entrar (Tomas Alfredson, 2008)
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Déjame entrar no es una película de vampiros. Sí lo es de vampirismo. Dicho de otra manera: Déjame entrar es una historia de amor. Otra cosa es que esa historia de amor sea tan bella, sutil y conmovedora como cruel, sádica e inquietante. Déjame entrar no es una película inofensiva. Es, y aquí fusilo a Baudelaire, una alcantarilla pletórica de sangre. Una mórbida miasma fabricada por un químico perfecto.
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Y de la 31 a la 50, para no dejarme injustamente a nadie:
31. Audition (Takashi Miike, 1999)
32. May (Lucky McKee, 2002)
33. Battle Royale (Kinji Fukasaku, 2000)
34. Alta tensión (Alexandre Aja, 2003)
35. Kairo (Pulse) (Kiyoshi Kurosawa, 2001)
36. Ravenous (Antonia Bird, 1999)
37. Pontypool (Bruce McDonald, 2008)
38. The Host (Bong Joon-ho, 2006)
39. El laberinto del fauno (Guillermo del Toro, 2006)
40. Los cronocrímenes (Nacho Vigalondo, 2007)
41. Frontière(s) (Xavier Gens, 2008)
42. Los otros (Alejandro Amenábar, 2001)
43. The Eye (Pang Brothers, 2002)
44. Dark Water (Hideo Nakata, 2002)
45. Los renegados del diablo (Rob Zombie, 2005)
46. American Psycho (Mary Harron, 2000)
47. Wolf Creek (Greg Mclean, 2005)
48. Cabin Fever (Eli Roth, 2002)
49. Ellos (David Moreau y Xavier Palud, 2006)
50. Ginger Snaps (John Fawcett, 2001)